Моя картина посвящена морю, которую я воспринимаю как воплощение мощи и величия водной стихии. Здесь вода предстаёт в своём самом неукротимом обличии. Бушующее море, вздымающиеся волны, пенящиеся гребни — всё это создаёт ощущение первозданной силы, которая одновременно пугает и завораживает.

Эта картина — визуальная метафора мысли о внутренней силе. Как волны сметают всё на своём пути, так и человек, опираясь на свой внутренний импульс, может преодолевать препятствия, «разбивать» преграды и открывать новые горизонты. Море здесь — символ многогранности жизни: оно одновременно опасно и притягательно, способно отнимать силы и дарить вдохновение.
Глубина картины заставляет задуматься о скрытых богатствах — как в океане, так и в самом человеке. Здесь воплощена та самая «огромная внутренняя мощь и дикая, неуправляемая и всепоглощающая сила», о которой вы говорите. Это не просто изображение моря — это гимн стихии, которая учит нас уважению, смирению перед её мощью и одновременно даёт веру в собственные неограниченные возможности.

Этот цикл работ, созданных из природных материалов и компьютерных деталей, отражает мои опасения по поводу все более усиливающегося вторжения технологий в природу, а также глубокие прозрения тибетской Ваджраяны о природе нашего разума и реальности.

Игра с природными и неприродными элементами кажется мне способом осмысления моего опыта взаимодействия с естественной и техногенной средой и, вместе с этим, разных способов мировосприятия.

Свою работу связываю с темой следующим образом: мы живем во времена глобальных вызовов, как политических, так и экологических, времена скоростного развития высоких технологий. Эти изменения масштабны, часто разрушительны, фатальны. Время требует быстрого переключения, скоростного обновления. Но способность психики человека к переработке информации, проживанию эмоций, нужного времени горевания, принятия изменений осталось прежней. Мы не успеваем принять, осмыслить реальность, но это так важно! И потому сердце скорбит на моем рисунке, пребывая в холодном круге нитей информационной паутины. Живое, эмоциональное, скорбящее.

Серия моих картин – это размышление о нашем таком хрупком и таком уязвимом мире. Текучем и непрерывно меняющемся, который оборачивается к нам неожиданными сторонами. При создании серии картин я использовала живопись в традиционных техниках, рисуя темперой на холсте и после этого прибегая к средствам цифрового искусства, используя прием реверсивной (обратной) перспективы как инструмент для расширения восприятия.

Чем хорош этот метод? Когда нарушаешь правила геометрии, это позволяет усилить выразительность картины. Посмотреть на природу и на нас самих в природе в необычном ракурсе. Этот способ рисования неосознанно используют дети. Их точка зрения подвижна, некоторые формы искажены. Именно благодаря подвижности точек зрения и информационных поворотов автор может точнее передать содержание картины и свое состояние, переживание, попробовать трансформироваться в рамках своей картины, применяя новые визуальные техники
Метод не новый, его широко использовали византийские мастера, да и сейчас можем увидеть эти приемы, например, в декорациях к фильмам С. Эйзенштейна, А. Сокурова, а также зарубежном кинематографе, в фильме ,,Властелин колец”, в советских мультфильмах.

В начале проекта в качестве визуальных образов для фотографий и мемов выступали различные, случайно найденные на улице или во время прогулок предметы природного и рукотворного происхождения, например, растения, потерянные детские игрушки. Кроме этого, я использовала фото некоторых музейных экспонатов, старые и руинированные объекты, а также фотографии своего домашнего питомца. Надо сказать, что найденные или природные объекты запечатлевались такими, какими они были представлены в среде, без внесения каких-либо изменений.

Начав действовать интуитивно, я не ставила перед собой определенной цели. Скорее, развитие методики психотерапевтических мемов как средства психологической самопомощи и поддержки происходило спонтанно, творчески, сообразно определенным жизненным этапам, а также отклику на них близких людей и коллег. 

Некоторые создаваемые мемы наполнены иронией, самоиронией и демонстрируют мою потребность в защитной форме, с использованием юмора затронуть какую-либо тему, прожить определенную ситуацию. 

Мне хотелось не утратить собственное лицо, взгляд на мир, свою профессиональную идентичность, и не подстраиваться, сколь возможно, под требования социальных сетей, стереотипов и визуальных штампов, сформированных и действующих активно в интернет-пространстве. 
Постепенно эта форма фотографии и надписей на них отчетливо проявила себя в качестве инструмента самопомощи и самоподдержки с нахождением созвучных моим переживаниям образов в окружающем мире.

Представляю на выставку некоторые авторские «психотерапевтические мемы». Рассмотрите их, какое чувство, переживание вызывают они в вашей душе, сердце? Какие надписи просятся на ваш взгляд к этим фотографиям? Хочется ли вам попробовать так взаимодействовать с природными, найденными и другими объектами окружающей среды для переработки собственных переживаний и эмоциональных состояний? 

Красный –  цвет силы и злости,
Красный – как жизнь в клетках крови!
Красная ягода,
Красное яблоко,
Красный кувшин,
И красный закат.
Красное пламя,
И красная рана,
Красный, как кровь,
Красный цвет!

В основе картины лежит двухслойная структура. Первоначально картина содержала золотой фон и летнее дерево — образ живой природы, душевной гармонии. Однако этот слой был намеренно скрыт под тёмным фоном, усеянным мерцающими точками цветов CMYK и RGB — символов цифровой эпохи и печатных технологий. Такой приём передаёт идею подавления естественного начала техносферой. Бежевые точки среди технологичных цветов становятся едва уловимыми отголосками тёплой подложки, напоминая, что душа и природа хотя и скрыты, но не уничтожены — они продолжают теплиться под внешним слоем виртуального космоса.

Вот уже пару лет я стала настоящей поклонницей такого вида творчества как ботанический барельеф. Как вид современного искусства он появился совсем недавно, в начале 2000-х годов. Несмотря на новизну, в его основе лежит древний метод художественного литья, который использовался скульпторами столетиями. На сырой глине создается отпечаток растения, который затем заливается гипсом, в результате чего получается объемное изображение.
Во времена глобальных вызовов этот вид искусства может играть особую роль, неся в себе эстетическую и психологическую составляющие. Самое главное, на мой взгляд, это связь с природой, то, чего так не хватает современному человеку. Это прекрасная возможность задержать, запечатлеть свои переживания, ощущения и чувства через растения, глину, гипс и собственные руки, оставить буквальный след на долгие годы.      

Этот вид искусства я постаралась запечатлеть на видео:

https://disk.yandex.ru/i/gLYqF54iLwOcxw 

Моя работа поднимает тему выгорания, связанного с разными нашими социальными функциями – матери, профессионала, жены и т. д. Под этими ролями всегда лежит определенный функционал, который ожидают от нас окружающие, не всегда получается соответствовать этим ожиданиям на 100%. Когда мы выстаиваем свою жизнь в соответствии с ожиданиями окружающих, помноженными на наши собственные оценки своих функций. «Люба может перегореть». Этой работой я предлагаю порассуждать, что останется от человека, если отмести все социальные роли: кто он, что он или она могут или хотят? Как обрести себя, открыть и реализовать свои истинные желания?

Тема «высоких» технологий волнует умы уже несколько десятилетий. При этом человек остается человеком, и проблема развития технических устройств и искусственного интеллекта преломляется через динамику и наполненность человеческой души. Окружающий технический мир облегчает и благоустраивает нашу жизнь, но и может являться источником стресса и даже душевной боли. 

Тема петербургского трамвая всегда была милым фоном нашей семейной жизни, поскольку мне довелось быть женой "трамвайщика". Мой муж всю жизнь работает в Горэлектротрансе, его семья – фактически династия последних трамвайных романтиков. Сейчас муж –  замечательный мастер производственного обучения будущих водителей. В период ухаживания, когда нам было около двадцати, он трогательно катал меня на трамвае по городу – в кабине, разумеется. Пара моих картин, "трамвайных пейзажей", и сейчас висит у него на учебном вагоне. 

Однако за последние пару лет много было связано для меня с "трамвайным" миром неприятного, грустного и даже совершенно омерзительного. Люди, казавшиеся вполне нормальными, раскрылись с неожиданной отвратительной стороны. Так сложилось… Да еще искусственный интеллект добавил петербургскому трамваю свою порцию трагизма. У экспериментальной модели «Довлатов» во время испытательного маршрута из-за ошибки искусственного интеллекта отказала система торможения, вследствие чего несколько пешеходов были сбиты, одна женщина погибла, а водитель получил судимость. В народе модель «Довлатов» окрестили «трамвай-убийца». Так что родившиеся у меня образы драматичны и мистичны истинно по-петербургски. Пофантазировала, какие сны может видеть ныне печально известная в Петербурге ретро-модель «Довлатов». Так и назвала: "Сны "Довлатова" —"Конечная остановка" и "Посмертие вагоновожатой". Третья работа «По ту сторону маршрута» — это образное осмысление жизни и смерти, добра и зла, света и тьмы, которые всегда перемешаны в любом проявлении нашего бытия.   А вообще-то, похоже, что у трамваев всё как у людей: день и ночь, работа и отдых, рай и ад, любовь и ненависть...

Основная концепция, лежащая в основе этой работы – особая роль женщины в развитии человечества, хотя её вклад часто противоречив и неоднозначен. В условиях современной жизни именно женщина может стать силой, поддерживающей и созидающей человека. Наш век обозначен как потенциально опасный, подверженный «вирусу техногенности». «Современная мадонна» — это зеркало эпохи, она напоминает, что даже в распадающемся мире мы можем быть целостными, если позволим себе переосмысливать себя.

Скульптура-трансформер объединяет в себе черты древних богинь плодородия (например, Венеры или Деметры) и эстетику современного искусства, ставит вопрос о том как современность переосмысливает священное, когда традиционные нарративы уступают место гибридным, личным формам духовности.

Фигура установлена на простую деревянную подставку, укрепленную веревками. Этот элемент создает ощущение «работы в процессе», будто скульптура еще не завершена, а ее смысл продолжает формироваться. Веревки символизируют опоры, которые одновременно поддерживают и ограничивают: современные люди строят свою духовность на временных конструкциях, где религия, мифология и личный опыт переплетаются в хрупком балансе.

Большую часть жизни я прожила в историческом центре Ленинграда-Петербурга (рядом с Летним Садом). Атмосфера классической красоты вокруг способствовала развитию моего эстетического вкуса и тяги к творчеству. Закончила факультет изобразительного искусства Российского Государственного Педагогического Университета им. А.И. Герцена.

Люблю рисовать с детства. Принимаю участие в пленэрах и художественных выставках, как совместно с другими художниками, так и в персональных. Развиваюсь в области арт-терапии для привнесения гармонии, как в свою жизнь, так и жизнь окружающих меня людей. В частности, использую методы арт-терапии в работе с дошкольниками, их родителями и педагогами.
На выставку хочу представить две своих работы, созданные в последнее время, посвященные поиску источников красоты и любви в мире симулякров. 

Ранее я воспринимала простой карандаш, как нечто не особо интересное, как некий предмет, который мне необходим для моих ежедневных записей, как подручный ежедневный материал. Когда я обучалась двадцать лет назад в вечерней художественной школе для взрослых, карандашные академические рисунки были для меня как необходимое, общепринятое в учебном процессе художественной школы. И совсем не трогало мое сердце, мой ум и мои чувства. Работы, выполненные карандашом, казались мне чем-то бесчувственным, не имеющим жизненной силы. Но я очень ошибалась.

В этом году я обучалась на курсе художника Михаила Боярского «Черно-белая магия» в школе «HomeArt» и впервые почувствовала притягательность, возможности этого материала – карандаша! А также – угля, сангины, «сухой кисти». Это – огромные возможности, это сила, эмоция, крик или тишина, преданная такими податливыми и иногда непредсказуемыми материалами. Хочу поделиться своими работами. Нежные линии простого карандаша могут передать снег на горном пейзаже. 

Слайд-фильм «Обычное чудо» повествует о маленьком мире, который находится в моей квартире, и который помогал и помогает мне поддерживать творческую энергию в трудные времена, когда не хватает ресурсов для живописи и других видов творчества. Маленькие жители постепенно обживали пространство моей квартиры, перебираясь с кухонного стола на полки стенного шкафа. И если поначалу это была всего лишь одна бытовая сценка, то сейчас этот мир занимает несколько полок в шкафу, а также часть моего рабочего стола, и живет своей жизнью.

Слайд-фильм создан мной в соавторстве с искусственным интеллектом. У меня было несколько первых фотографий, и я задумалась о музыкальном сопровождении. Готовые произведения (я думала о песне «Маленькая страна») нельзя использовать в широком доступе, не нарушив авторские права. Поэтому я решила создать свою песню. 

Это мой первый и пока единственный опыт сочинения песни в соавторстве с искусственным интеллектом. Для модели Gemini я составила подробный промт, текст, в котором перечислила все, что должно войти в песню. Gemini сочинил стихотворный текст для песни. А когда я спросила, может ли он написать музыку к этому тексту, он ответил, что нет, но она «звучит внутри него» 😊
Я спросила, какие способы есть для написания музыки к этому тексту, и Gemini ответил, что есть несколько версий искусственного интеллекта, специализирующихся на написании музыки. Я выбрала модель Suno (AI Music). Gemini составил для этой модели аккорды и описание стиля будущей песни, и я вставила его предложения в соответствующие поля у Suno. И буквально через несколько минут были готовы два варианта этой песни. Один из них я использовала, как музыкальное сопровождение к слайд-фильму.

Фотографии я делала по мере возникновения и развития маленького мира, но некоторые создавала специально под слова конкретных строчек песни. 

Рисунок для обложки слайд-фильма и для задней заставки Gemini «захотел создать сам», а я поддержала. 
Надеюсь, что наше совместное с искусственным интеллектом творчество, слайд-фильм «Обычное чудо», порадует вас, и напомнит о маленьких вещах и обычных делах, которые тоже могут поддерживать и быть ресурсными, «обычными чудесами» в непростые времена.  

Диптих представляет собой визуальное исследование любви как предельного переживания, разворачивающегося в условиях внутреннего ограничения - стремления человека сохранять границы собственного «я» что затрудняет полноту встречи с другим.
В основе работы лежит представление о любви как о реальности, одновременно включенной в человеческое бытие и ограниченной его пределами.  Любовь не существует вне формы, однако форма может либо раскрывать ее, либо становиться пределом.
В работе выявляются две природы: замкнутая - связанная с переживанием себя в границах отдельного существования, и открытая, в которой становится возможен выход за пределы себя.
В этой второй форме границы не исчезают, но становятся проницаемыми, что позволяет
воспринимать другого не как внешнего, а как соотнесенного с собой.
При визуальной близости работ различие проявляется как едва уловимое смещение - от уединенности к включенности, от изоляции к единству. Тем самым диптих обращается к двойственной природе человека, в которой сосуществуют два способа отношения: основанный на отделении и присвоении, и направленный на включение и соприсутствие.
В этом смысле диптих переосмысляет традиционное различие «земной» и «небесной» любви как внутреннюю динамику единого опыта, раскрывающегося в разных способах бытия. Диптих задает вопрос о природе целостности: является ли она исходным
состоянием или результатом внутренней трансформации субъекта.

Маргарита Пожарова (Margo Sealskin), автор и участница проекта:
«Проект зародился в период моей глубокой внутренней тишины. После появления на свет сына во мне что-то будто бы умерло и вместе с тем родилось нечто новое. Из этого состояния пришло осознание: я больше не могу не звучать, но я больше не хочу звучать одна.
Я стала отправлять свои записи женщинам, чей отклик чувствовала на расстоянии. Так начались наши диалоги. В минуты записей рождалось разное: от душевных умиротворяющих “колыбельных” в близости и тишине до звуков, в которых усталость
встречается с любовью.
В пространстве голоса, в этой правде и глубине, звучание двух женщин становится разговором душ и целительным полем. Здесь голос освобожден от смысловой нагрузки слов. Он вмещает и выражает то, что трудно передать иначе. Эти песни как мост между
нами. Живое доказательство того, что наше звучание обретает истинную силу, когда встречается с бережным и принимающим откликом».

Александра Кириллова (Саша Луна), участница проекта: «Для меня проект «Голоса Женщин» — это, прежде всего, процесс. Не только финальный трек, а сам диалог: как он разворачивается во времени, как мы откликаемся и отвечаем друг другу голосом — без слов, без оценки, без старания «сделать красиво».
В прошлом году в рамках проекта родился наш совместный трек “Canto del Mar”. В ходе дружеской беседы в онлайне Марго предложила отправить ей своего рода звуковое письмо. Это была моя спонтанная реплика, пение “по ту сторону слов”, несколько минут голоса в тишине. А через несколько дней я получила ответ: голос Марго подхватывал,
продолжал и поддерживал. Так монолог в тишине чудесным образом трансформировался в наш музыкальный диалог, который стал особым красивым опытом для нас обеих. Эта песня стала отпечатком разговора о пределах, физических и психических. Как сказала тогда Маргарита, мы, женщины, умеем проходить эти пределы в знании, что дальше будет океан... Образ океана возник и зазвучал в финальной версии трека (https://vkvideo.ru/video-19944783_456239091?pl=22246069_6&t=58s)
В этом году мы решили провести эксперимент и поменяться ролями. На этот раз Марго отправила мне своё голосовое послание, доверительное и аутентичное. Я вошла в это пространство, чтобы побыть с ней, услышать и откликнуться. Ближе к концу песни на записи вдруг спонтанно возник ансамбль, будто мы уже здесь не вдвоём, будто нас стало больше. Это не было сделано специально: созвучие сложилось из нескольких последовательно записанных мною откликов (слушая послание Марго, я спела с ней несколько раз подряд, а потом случайно включила эти дорожки вместе). Было ощущение, будто на наш зов сквозь времена к костру вышли женщины, которые были и звучали до нас. Когда мы слушали вместе то, что получилось в итоге, это ощущалось как чудо... Так родилась наша новая общая песня — диалог, в котором отразились личные истории, продолжение дружеской беседы и динамика проекта «Голоса Женщин».

Первая часть — текстильная работа, выполненная из архивных хлопковых тканей, собранных более 50 лет назад как часть приданого. В технике пэчворк-пиксель-арта из этих материалов выстроен сюжет, переосмысляющий сказочный нарратив: герой, отправившийся спасать несуществующую принцессу, останавливается в момент сомнения, тогда как Змей Горыныч продолжает выполнять свою функцию. Этот сюжет оформлен в виде короткой авторской сказки, где привычная логика героического пути нарушается: действие не приводит к подвигу, а обрывается в точке осознания. Текст становится самостоятельным слоем работы — он не иллюстрирует изображение напрямую, а задаёт интонацию сомнения, паузы и внутреннего вопроса.
Вторая часть возникает как отдельный шаг: фотография бедраннера передаётся нейросети, которая генерирует дополнительную версию этой сказки. Здесь изображение уже не собирается вручную, а производится алгоритмом на основе заданного образа.
Таким образом, работа выстраивается как переход от медленного, телесного, материального процесса к быстрой, нематериальной генерации. Этот разрыв фиксирует различие между прожитым и сконструированным, между опытом и его цифровой интерпретацией.
В контексте темы «Человек, высокие технологии и арт-терапия» проект акцентирует именно это различие: ручной труд как способ проживания и укоренения в процессе — и ИИ как инструмент внешнего взгляда, создающего дистанцию и новую оптику восприятия.

Этой зимой я поехала в деревню в Сибири, где когдато жила семья бабушки, с которой я подружилась. Она была из семьи сельского священника — их когдато раскулачили, забрали дом и храм. Её отца расстреляли. Осталась только одна фотография, которую она хранила всю жизнь. Там вся семья: мама, папа, два брата и она — Нюся, как ласково называли её родители. Фотография сделана за час до трагедии.
По дороге на кладбище я познакомилась с пожилым мужчиной — оказалось, он их дальний родственник. Он показал старые фотографии и вдруг вспомнил историю: в детстве его попросили забрать из церкви коробочку с церковными и семейными ценностями и спрятать во дворе. Он зарыл её в землю у дома.
Дома того уже нет. Коробочку, возможно, уже и не найдёшь. Но сама история осталась.
Память устроена так: чтото теряется, размывается, исчезает. Остаётся то, что ктото бережно хранит, как эту фотографию. Бабушка часто говорила мне, что пока она жива и живы её воспоминания, родные ещё как будто никуда не уходят. Теперь моя очередь помнить. 

Очень люблю находиться среди деревьев. Всегда фотографирую, к понравившимся деревьям подхожу, прикасаюсь. При очередной прогулке увидела новый образ дерева, которое привлекло внимание. Это были тонкие стволы и их много. Все они соединены друг с другом. Я подумала: «Так, это же - Я!» «Я - объединяющая свою семью!» Дома быстро сделала рисунок с применением нейрографической техники. Рисовала несколько дней. В процессе поняла его смысл. Настоящее, прошлое и будущее. После активного поиска, дала название рисунку «МоЯ семья. Связь поколений» 
И сейчас, когда смотрю на него, чувствую свежесть леса, свободу, радость и силу!

«Прогулки по улицам с цифровой камерой — прекрасная возможность запечатлеть жизнь и мир. Однажды я гуляла по красивой улице красивого города в прекрасный солнечный день.
В витрине стояло несколько фигур, магазин был закрыт, названия у него не было, спросить не у кого… Я сфотографировала скульптуры в отражающемся солнечном свете — фигуры были прекрасны. Но что-то было не так… Я чувствовала себя неловко.
Позже, вернувшись домой, я попыталась понять, что же было странного. Цитата – высказывание Огюста Родена на витрине помогла мне. Эта красота была фальшивой. Это искусство показывало эротический взгляд на детей, одетых как подростки или взрослые — по крайней мере, так я чувствовала. Манипуляция и насилие, представленные как любовь и забота…
Мне нужно было что-то сделать, чтобы обрести эмоциональную устойчивость. Я начала экспериментировать с цифровым приложением, перекадрируя, комбинируя, стирая, рисуя на фотографиях… Когда я закончила, то почувствовала успокоение. 
Творчество как акт познания и терапия — это мой способ реагирования на мир и его вызовы».

Представляю вашему вниманию дигитальную историю «Вода, вода…» в которой
использованы видео и фотоматериалы с берега реки Невы и по их следам написанное
одноименное стихотворение-заговор, а также фрагмент музыкального произведения
Евгения Гринько.
Я родился на берегу Японского моря, плавать научился раньше, чем ходить. Океан, Море,
Озеро, Река, Ручей не просто водоёмы - это источники моей жизни, места силы, очищения
и вдохновения.
В своей работе я заклинаю природу и людей, которые часть её, беречь ВОДУ- начиная от
закрытого крана, до не брошенного в океан пластикового стакана.
Нет воды-нет человека.
Нет человека…а вода была, есть и будет.
Воды, воды вы теките
влагу жизни берегите...

«В эпоху, когда технологии проникают во все сферы жизни, особенно ценными
становятся практики, возвращающие человека к себе — через тело, через тактильный
контакт с материалом, через созерцание природного процесса. 
Цианотипия вписывается в этот контекст естественно и органично. Она даёт нам редкую
возможность замедлиться, побыть в потоке и просто понаблюдать чудо проявления образа
из света и тени.
Цианотипия становится действенной метафорой, позволяющей человеку не умом, а через
тело и эмоции ощутить: его ценность — не результат достижений, она уже есть внутри,
словно скрытый светочувствительный слой. Её не нужно создавать. Ей нужно позволить
проявиться. В безопасном, поддерживаемом пространстве.
В моих работах представлен авторский метод работы с самоценностью, где старинная
техника становится инструментом для укрепления внутренней опоры в нестабильное
время».
Цианотипия — это старинная техника монохромной фотопечати, изобретённая в 1842
году сэром Джоном Гершелем. В её основе — уникальное взаимодействие света, химии,
воды, времени и авторского выбора. Результат этого альянса всегда непредсказуем и
уникален.